El artista Jonas Wood habla sobre su exposición de dibujos en Karma en Nueva York

Jul 20, 2023

El artista Jonas Wood, radicado en Los Ángeles, es mejor conocido por sus pinturas que presentan paisajes, vasijas, interiores, plantas y su amor por los deportes. Las exposiciones recientes incluyen “Henri Matisse & Jonas Wood” en Nahmad Contemporary en Gstaad, Suiza, que muestra las obras de ambos artistas en comparación, con un texto escrito por la curadora e historiadora del arte Helen Molesworth.

Pero su práctica del dibujo ha sido igualmente importante para su desarrollo como artista. Esas obras sobre papel son el tema de su última exposición, “Drawings 2003-2023”, en Karma en Nueva York (abierta hasta el 18 de agosto). Cien obras sobre papel se muestran en orden cronológico en un formato estilo salón que muestra la amplia variedad de temas, colores y marcas del artista. Brillante y colorido, este espectáculo también viajará al espacio de Karma en Los Ángeles en noviembre de 2023.

Para conocer más sobre su exposición, ARTnews habló con Wood por teléfono desde Nueva York. Durante la conversación, Wood habló sobre sus raíces biográficas, su trayectoria por el mundo académico, el mundo laboral y los consejos que dan forma a su carrera y legado. Wood también habla sobre los materiales que emplea y el proceso detrás de su vibrante trabajo.

Este artículo ha sido editado y condensado para mayor claridad.

ARTnews: Esta exposición se centra en sus dibujos de 2003 a 2023. ¿Por qué quiso centrarse en este período de 20 años?

Jonás Wood: Bueno, este julio cumplirá 20 años viviendo en Los Ángeles como artista, escuela de posgrado. Creé una instalación de dibujos de a lo largo de los años. Estoy feliz de trabajar con [el fundador de Karma] Brendan Dugan y Karma en este proyecto. Brendan hace programas históricos increíbles y yo quería hacer algo diferente. Nunca he expuesto una colección de sólo dibujos.

Hay muchas personas que trabajan para encontrarse a sí mismas después de la escuela de posgrado. ¿Puedes contarme un poco sobre tu vida entonces?

Me gradué de la Universidad de Washington en Seattle en 2002. Mi esposa, la artista Shio Kusaka, y yo fuimos brevemente a Martha's Vineyard antes de mudarnos a Los Ángeles seis meses después. Me pregunté: “¿Quiero vivir en Nueva York? ¿O quiero vivir en Los Ángeles? Entonces me mudé a Los Ángeles porque tenía un amigo allí y comencé a pintar y dibujar. Seguí pensando: “¿Cómo sigo practicando? ¿Cómo puedo mejorar?” Hacer dibujos fue una gran parte de eso. Recibí excelentes consejos sobre cómo seguir trabajando después de la academia de algunos de mis profesores en la escuela de posgrado y cómo practicar fuera de sus ojos vigilantes. Cuando estás en la escuela, tienes compañeros y profesores que observan y critican lo que estás haciendo. Mis profesores me preguntaron: “¿Qué artistas te gustan? ¿Qué pintaron? ¿Cómo practicaron? Me concentré en la palabra práctica para seguir practicando pintura.

¿Cuáles fueron algunos de los consejos que dieron?

Mi profesor de posgrado, Denzil Hurley, que murió hace un par de años, fue increíble a la hora de activar mentes jóvenes. Acaba de exponer en la Canada Gallery de Nueva York. Me aconsejó que me desafiara a mí mismo porque la Universidad de Washington no era una escuela de acabado, como la UCLA o todas las grandes escuelas de arte de California, donde los estudiantes de posgrado tienen un talento tan excepcional que están casi listos para las luces brillantes de la exposición en una galería. . En Seattle, se centraron en cómo tener una práctica artística y muy probablemente solicitaron ser profesor de arte; enseñar pintura era más como un techo. La idea de que estarías pintando en algún lugar solo era en lo que me concentraba. Ese fue un gran consejo, incluso en una atmósfera como la de Los Ángeles, donde me rodeaban muchos artistas destacados. Además, el trabajo que tuve posteriormente cuando me mudé por primera vez a Los Ángeles, ayudando a [la artista] Laura Owens en su estudio, allanó mi camino.

¿Cómo surgió ese trabajo?

Trabajé con Laura durante casi un año y medio. El único amigo que conocí en California fue el artista Matt Johnson, que es un escultor fantástico. Él y yo fuimos juntos a la escuela secundaria. Matt ya estaba trabajando para el artista Charles Ray y luego había tomado una clase con Laura en UCLA. Después de que estuve en Los Ángeles por un par de meses, ella estaba buscando un asistente y preguntó si algunos estudiantes estaban interesados ​​en el trabajo. Preguntó a algunos estudiantes de posgrado si estaban libres y Matt dijo: “No lo estoy. Pero mi amigo que acaba de mudarse aquí es pintor”.

Lo primero en lo que trabajé para ella fue en una pintura que estaba haciendo para la Bienal del Whitney [2004] y luego, en las semanas siguientes, me di cuenta de quién era ella. Todo el mundo decía: "¿Conseguiste ese trabajo?" Pero tuve suerte y conocí a este increíble genio de persona. La experiencia de aprendizaje fue el siguiente nivel. Conservé tanta información valiosa de Laura como la que había aprendido en la escuela de posgrado. Pintó una variedad de cosas, lo cual fue liberador para mí descubrirlo, junto con su dominio del dibujo y la pintura. Y a mediados de la década de 2000, mi esposa trabajó para Charley Ray durante casi cuatro años, quien es un escultor extraordinario, por lo que ambos teníamos excelentes trabajos.

Yo también fui asistente. Mi primer trabajo después de UCLA fue para David LaChapelle. Trabajar estrechamente con alguien así te hace darte cuenta de lo que se necesita para ser un artista. Dijiste que tú y tu esposa decidieron mudarse juntos a Los Ángeles. ¿Intercambian ideas entre sí dentro de sus prácticas artísticas?

Me estaba concentrando en hacer bodegones. Dado que Shio hizo todas estas vasijas, era natural que tomara prestados sus objetos y los pusiera en mis fotografías, simplemente por práctica. Cuando tuve una exposición individual en la Galería de la Sociedad del Dragón Negro en 2006, y luego una en 2007 en la Galería Anton Kern, la gente empezó a preguntarme: "¿Qué son estas vasijas?" Y dije: “Oh, estos son los vasos de mi esposa”. Ella me apoya mucho porque soy un pintor maníaco y compartimos estudio desde 2005. No estamos en la misma habitación pero trabajamos bajo el mismo techo. Hemos trabajado juntos durante mucho tiempo, por lo que hemos estado polinizando y dándonos retroalimentación y críticas saludables.

Respecto a tu dibujo y como dibujante, ¿llevas un cuaderno de bocetos?

No tengo un cuaderno de bocetos. Pienso que dibujar es dibujar con cualquier cosa sobre papel, ya sea bolígrafo, acuarela o lápices de colores. Yo evolucioné para llamarlo dibujo, pero sólo algunos lo llaman así. Por ejemplo, Laura Owens considera cualquier cosa que tenga pintura una pintura. Pienso en cualquier cosa que esté en papel como un dibujo. Realizo una cantidad considerable de dibujos para preparar con rigor mis cuadros o un estudio detallado que utilizo como modelo para pintar. Cuando pinto, pinto mucho a partir de bocetos que he hecho. Los leo y trato de interpretarlos en la pintura.

Cuando un dibujo se traduce en una pintura, la imagen se vuelve más poderosa en muchos casos.

Cierto, dibujar, personalmente, es facilitar cómo hacer la mejor pintura posible.

Tienes una gran variedad de objetos y lugares en todas tus obras, y eso me parece muy enriquecedor y emocionante de ver. Lo que captas tan bien es la luz de Los Ángeles.

En la Costa Oeste, no es sólo la luz sino también la gente y cómo cambió mi vida. Soy de Massachusetts y la costa este puede ser dura y dura. Mientras que la costa oeste es bastante tranquila y soleada. Cuando llegué a Los Ángeles, noté plantas que nunca había visto y comencé a pintarlas. Ya estaba en esta forma de pensar: "¿Cómo podría mejorar?" y “¿Cómo podría trascender mi situación actual como artista?” Caí en la belleza del espacio cuando era un adulto joven. Todos coincidieron.

Los Ángeles fue la primera ciudad en la que me alegré de aterrizar y sentí que volvía a casa. La luz es excelente para un estudio, pero siempre me han obsesionado los colores. Siempre he pensado en cómo combinan los colores. Y todas esas cosas chocaron con mis intereses y en lo que me centraba en la pintura. Todas esas cosas activan mi mente.

Veo muchas referencias deportivas en tus obras. De donde viene eso?

Una de las cosas que te decía al principio, como consejo de uno de mis profesores, es que elijas materias en las que estés realmente interesado. Soy un gran fanático de los deportes y practiqué varios deportes mientras crecía. Me gusta la idea de que los atletas logren o logren algo. Comencé principalmente practicando retratos porque estaba harto de convencer a un amigo de que me dejara tomar fotografías y pintarlas. Es interesante pintar gente que conoces, pero era como un conjunto diferente de reglas pintar a alguien que no conocías o idolatrar como alguien que toma fotografías o se apropia de todo. Comencé a pintar canchas de tenis, que surgieron de fotografías de apagar las luces y tomar fotografías de mi televisor durante los partidos de tenis y me encantaba su aspecto.

Oh, eso es tan asombroso. Me encanta que provenga de un momento cotidiano de tu vida.

En las canchas de tenis, se trata más de composición, abstracción y repetición. Las pelotas de baloncesto, de tenis o cualquier otra cosa flotante me hacen feliz. Pinto cosas que disfruto: plantas, interiores, retratos, deportes y paisajes. Todas esas cosas me fascinaron desde el primer día, y luego lo logré en el estudio y seguí persiguiéndolo.

Creo que es sincero que te hayas centrado en temas que realmente te apasionan.

Sí, nadie tenía expectativas para mí cuando me mudé a Los Ángeles, así que podía hacer lo que quisiera. En segundo lugar, siempre pensé que la pintura necesitaba ser más precisa. Soy un pintor figurativo que pinta cosas del natural, pero no soy fotorrealista. Soy más bien un pintor abstracto en el sentido de que una pintura puede ser cualquier cosa. No cedí ante el interés del coleccionista ni del curador. Y me alegro de no haber tenido ningún éxito durante los primeros tres o cuatro años que estuve en Los Ángeles, así pude establecer mi identidad sin recibir demasiada retroalimentación. Me sentí más cómodo con la idea de que la pintura podía ser una variedad de cosas no definidas por un tipo de pintura o una mirada, y era muy consciente de no querer encasillarme cuando era más joven. Intencionalmente mostré una variedad de motivos trabajando juntos todo el tiempo, y todavía lo hago.

¿Qué tipo de materiales utilizas? A los artistas, estoy seguro, les encantaría saberlo.

Utilizo mucho aguada ligera y acuarela como pintura base. Y por lo general, ese es Windsor Newton, o a veces es un poco más agradable. Y luego, en cuanto a lápices de colores, me encanta Prismacolor.

¿Tienes el set Prismacolor gigante?

Quiero decir, tengo todos los sabores bajo el sol de Prismacolor y cualquier punto intermedio; honestamente, todos los colores que han creado. Y algunos de ellos ya no se fabrican, así que tengo que encontrar material muerto.

Para pintura al óleo, me gusta usar Gamblin y para pintura acrílica, me gusta Nova Color. Pinto principalmente sobre lienzo o lino, y uso un cierto tipo de papel que no se arruga ni se ondula, sin importar cuánta acuarela le pongas. Es el papel de acuarela tipo prensado en caliente más pesado que se puede conseguir, casi como cartón. Lo recibo de una empresa francesa como una pieza gigante de papel de acuarela, de 61 por 40 pulgadas. (No quiero que nadie más sepa el nombre para que no me roben el papel). O hago algo así de grande o lo corto. Trazo muchas cosas en transparencias y las proyecto porque todavía uso un dispositivo de proyección de la vieja escuela y tomo fotografías, y calco partes de las imágenes y las uno para crear una imagen en particular. En este viaje a Nueva York traje un par de libretas pequeñas por si quería hacer algunos bocetos, y luego compré unas transparencias para calcar.

Como pregunta final, ¿qué significa estar mostrando todos estos dibujos en Nueva York?

Es fantástico. No puedo esperar a que la gente vea este programa. Es inmersivo y convincente. Mi esposa me dijo anoche que si la gente ha seguido mi trabajo durante los últimos 20 años, probablemente habrán visto todos los trabajos de la exposición de dibujos. Casi todas estas obras en esta muestra de dibujo se han visto en forma de pintura. Como mínimo, se han convertido en pinturas 60 dibujos. He tenido dibujos esparcidos en mis exposiciones o en una sala llena de dibujos, pero nunca los he tenido como foco principal. Así que estoy ansioso por compartir esto porque es la columna vertebral de mi práctica en el estudio.